MUÉVETE, MICHELANGELO

Por [email protected] | el 25 de mayo de 2023

Como orugas entrenadas, columnas de papel de colores se arrastran por una pared blanca mientras un delicado patrón de encaje desciende en espiral en un vórtice.

En el último espectáculo de la temporada de Ann Norton Sculpture Gardens, la madera y el papel ofrecen nuevas interpretaciones de una forma de arte históricamente dominada por los hombres.

En el momento en que las fotos y los datos transmitieron un mensaje por primera vez, la madera y el papel ya llevaban un tiempo. No en vano, son los medios y métodos elegidos por cuatro escultoras destacadas en "SculptHER". La discreta exposición presenta 16 obras de varios tamaños, pero son las posibilidades ilimitadas de los materiales elegidos lo que más sorprende.

Todo está en los detalles para Julia Ibbini, una artista visual con sede en los Emiratos Árabes Unidos que combina la artesanía tradicional, el diseño computacional, las matemáticas y los algoritmos para producir complejas esculturas de papel que son intrincadas más allá de lo creíble. La yuxtaposición de bucles decorativos, formas similares a enredaderas y otros motivos naturales con una precisión geométrica alucinante hace que "Symbio Vessel 19.152.16" se destaque.

Visto de lado, es un estadio ultramoderno en miniatura con infinitas filas de asientos superpuestos. Cada capa está meticulosamente esbozada, cortada con láser y ensamblada a mano. Desde arriba, más allá del borde en blanco y negro, vemos desaparecer en el abismo una red de columnas orgánicas. A medida que gira en espiral hacia el agujero negro, el exquisito bordado con pequeñas flores y hojas se vuelve más pequeño y más oscuro. Inspirados por él, consideramos una inmersión similar en nuestra cueva de secretos y pensamientos oscuros, pero dar el paso requiere vulnerabilidad: un paracaídas frágil en el que no confiamos plenamente.

ARRIBA: Nicole Pietrantoni, "Aurora III". • ARRIBA: Miriam Londoño, "Diálogo I". FOTOS DE CORTESIA

Las piezas de Ibbini reflejan el ballet. Requieren mucha mano de obra y exigen un gran compromiso, pero el resultado es elegante y sin esfuerzo. No agobia a los espectadores con los detalles del largo proceso de varios pasos que implica su trabajo, sino que los ahorra, para que puedan disfrutar de su creación.

"Espero que tal vez tengan una sensación de asombro de lo que se puede lograr cuando se combinan diversas y múltiples disciplinas", dijo Ibbini.

Esa sensación de asombro también impulsa la visión de Nicole Pietrantoni.

La composición tipo acordeón y la escala de tonos cálidos que hacen eco de la luz del amanecer hacen que "Aurora V" sea divertida y atractiva. Tiras de papel doblado se mueven a lo largo de la pared sin pretensiones en esta instalación lúdica que pretende ser una parada de descanso de un mundo demasiado estimulante. Un brillo rosado se burla de debajo de los arcos incidentales. Tras una inspección minuciosa, solo aparecen unos pocos colores en juego. A medida que damos un paso atrás, el espectro se expande para incluir tonos que antes no se podían detectar.

Julia Ibbini, "Symbio Vessel" desde arriba FOTO CORTESÍA

Las imágenes de malas hierbas y flores a menudo marcan las piezas de Pietrantoni. Emergen suavemente, sin agudizarse, como si no abrumaran la composición general ni llamaran la atención sobre ningún marco específico. Ese flujo y ligereza son tan importantes como los espacios que separan las columnas de papel, que en "Aurora III" están empapados de tonos más profundos y ricos. Estos postres son recordatorios de que la noción de una imagen completa es una falacia.

"Representan la imposibilidad de asimilarlo todo", dijo Pietrantoni, que actualmente reside en Praga. Ella describe esta serie como "una meditación sobre el color, la luz y las amplias posibilidades de la forma del libro".

Por cierto, la exposición en curso hasta junio amplía las posibilidades de las escultoras como ella.

"Hay una historia rica pero a menudo no contada y poco reconocida de mujeres increíbles que también crean obras escultóricas", dijo. "Estoy contento de ser parte de este linaje".

"Música" (2020) de Miriam Londoño con "Expose Exposed 211006," (2021) de Cha Jong Rye de fondo. GRETEL SARMIENTO / FLORIDA SEMANAL

En ausencia de discurso, tendemos a pensar en volúmenes o eso parece en una ingeniosa instalación de texto que consta de dos bustos anónimos formados por letras mayúsculas. La ubicación de las letras mayúsculas, aparentemente al azar al principio, logra generar palabras familiares: AMOR... TIEMPO... OTRA VEZ, pero nunca forma una oración completa y cohesiva.

"Diálogo 1" reflexiona sobre el flujo constante de comunicación entre las personas, que Miriam Londoño encuentra que va desde lo desestructurado y repetitivo hasta lo creativo. No le pide al espectador que haga de intérprete en este desconcertante intercambio perteneciente a su serie "Monólogos". La incoherencia puede ser una forma de misericordia. Es mejor dejar algunas cosas sin decir.

“Las letras sueltas aparecen como una posibilidad latente para que la imaginación cree palabras a partir de ellas y, a partir de ellas, comunique historias y sueños a otros”, dijo Londoño.

Cha Jong Rye, "Expose Exposed" FOTO CORTESÍA

La artista colombiana se nutre de historias de vida y de su experiencia personal como migrante para transmitir una sensación de fragilidad, vacío, ausencia y olvido.

Otra de sus piezas presenta escritura cursiva y sirve como una oda al graffiti y la caligrafía callejera. "Música" es animada, representada en letras inquietas que bailan al son de su propia melodía como si buscaran igualar el desafío de su musa. Y así como esa musa, no hay vacilación en la escritura.

No sorprende saber que Londoño se inspiró en la entrega declaratoria gestual con la que el grafiti callejero articula la disidencia.

“Son las voces silenciosas que gritan descontentas, con un profundo deseo de ser escuchadas a toda costa”, dijo.

Los paisajes marinos y montañosos inspiran a Cha Jong Rye, cuyos paneles de madera montados en la pared se asemejan a láminas arrugadas. Los de color canela claro, como "Expose Exposed 190508", recuerdan modelos geológicos que exponen capas de terreno. En ellos queda una impresión similar a un cráter con bordes lisos que invita a examinarlos: ¿un aterrizaje forzoso? ¿La abolladura de una siesta energética?

El artista coreano lija meticulosamente y coloca capas de tableros de madera para crear paisajes extraños como este. Durante su proceso, se entrega a la voluntad de sus lienzos tridimensionales, dejando que dicte la disposición y el flujo definitivos. La falta de expectativas y metas establecidas libera al artista para ir en cualquier dirección. No hay traición ni contradicción, solo confianza mutua.

Si seguimos la luz, las sombras y las ondas en "Expose Exposed 211006", somos testigos del paisaje transformándose ante nuestros ojos. La pieza alienígena hecha en azul oscuro parece ocultar a alguien debajo de la superficie y ese alguien se ha despertado, sigue tirando de la tela arrugada hacia el centro y alejándola de los bordes. O tal vez, es todo un sueño.

La proyección y la subjetividad son vitales para el proceso de Jong Rye.

“La libertad del espectador para interpretar mi trabajo desde una perspectiva única”, dijo a través de la Galería Long-Sharp, que representa a los cuatro escultores incluidos en la muestra. "Mis obras permiten que las experiencias y energías de los espectadores informen su percepción".

El pequeño entorno proporcionado por el espacio recientemente restaurado que alberga "SculptHER" facilita una experiencia de visualización íntima, que dura unos 30 minutos. Es tiempo de sobra para darse cuenta de que el futuro de la escultura no vendrá en forma de tirachinas de bronce o mármol.

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